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I NOSTRI ARTISTI
Carla Pistol
Je suis un artiste contemporain et je célèbre la couleur et l'émotion à travers mes œuvres. Né dans une petite ville italienne, j'ai développé dès mon plus jeune âge une profonde passion pour l'art, inspiré par les paysages vibrants et les parfums de la nature qui m'entoure. Mon art abstrait est né de la rencontre avec les courants artistiques qui ont marqué le début du XXe siècle, où l'artiste vivait dans l'acte de création, dans ses gestes et où une forme d'extase pure était recherchée dans l'application de la couleur, contrastant avec une période historique où le monde traversait une guerre mondiale. J'aime à associer ces deux choses. Dans mon abstraction, je recherche cette forme d'extase et de plaisir que la couleur peut procurer. Ma démarche artistique se distingue par une utilisation audacieuse et innovante de la couleur, qui devient ainsi un langage capable d'évoquer sensations, souvenirs, parfums et humeurs. Mes œuvres se caractérisent par leur intensité chromatique, où chaque nuance semble exhaler un parfum ou une mélodie unique, transportant l'observateur dans un voyage sensoriel profond et personnel. En combinant acrylique, crayons de couleur, craies, Swarovski et éléments naturels, je crée des textures et des stratifications qui invitent à explorer chaque détail.
Chaque tableau est un labyrinthe où les couleurs dansent et s'entremêlent, racontant des histoires qui transcendent la surface. J'aime dissimuler dans mes toiles des phrases et des symboles à explorer. Chaque tableau est une invitation à déchiffrer et à se connecter à des significations plus profondes. Ainsi, chaque tableau devient une expérience interactive, une invitation à découvrir non seulement sa beauté visuelle, mais aussi sa richesse narrative. L'abstraction est mon langage, une façon de distiller la réalité et de la restituer sous forme d'émotion pure, de vibration. Je ne cherche pas à reproduire le monde tel qu'il est, mais plutôt à capturer les sensations, les mouvements intérieurs, les tensions et les harmonies qui nous habitent. Chaque tableau est une part de moi-même, une carte d'émotions et de pensées. Mon travail est un acte continu de recherche et de découverte. Je crée pour comprendre, explorer et donner forme à ce qui est invisible, mais ressenti. Parmi mes mille nuances, refuge pour mes pensées, j'invente des mondes infinis et désirés qui me permettent de dépasser les limites et de découvrir de nouvelles réalités invisibles… les miennes sont des portails à franchir.
Je combine souvent textes et peintures, mais cela n'arrive que lorsque, une fois l'œuvre terminée, quelque chose m'inspire… et les phrases jaillissent alors spontanément, soulignant encore davantage le message intrinsèque du tableau.
D'autres fois, ces écrits
naissent de réflexions
sur une scène vue ou une émotion ressentie.
J'aime aussi beaucoup m'arrêter et réfléchir à la pensée humaine, au temps et à tout ce qui m'entoure… même un simple sens a sa propre histoire. J'observe, j'imagine, j'élabore et je crée…
Chaque tableau est un labyrinthe où les couleurs dansent et s'entremêlent, racontant des histoires qui transcendent la surface. J'aime dissimuler dans mes toiles des phrases et des symboles à explorer. Chaque tableau est une invitation à déchiffrer et à se connecter à des significations plus profondes. Ainsi, chaque tableau devient une expérience interactive, une invitation à découvrir non seulement sa beauté visuelle, mais aussi sa richesse narrative. L'abstraction est mon langage, une façon de distiller la réalité et de la restituer sous forme d'émotion pure, de vibration. Je ne cherche pas à reproduire le monde tel qu'il est, mais plutôt à capturer les sensations, les mouvements intérieurs, les tensions et les harmonies qui nous habitent. Chaque tableau est une part de moi-même, une carte d'émotions et de pensées. Mon travail est un acte continu de recherche et de découverte. Je crée pour comprendre, explorer et donner forme à ce qui est invisible, mais ressenti. Parmi mes mille nuances, refuge pour mes pensées, j'invente des mondes infinis et désirés qui me permettent de dépasser les limites et de découvrir de nouvelles réalités invisibles… les miennes sont des portails à franchir.
Je combine souvent textes et peintures, mais cela n'arrive que lorsque, une fois l'œuvre terminée, quelque chose m'inspire… et les phrases jaillissent alors spontanément, soulignant encore davantage le message intrinsèque du tableau.
D'autres fois, ces écrits
naissent de réflexions
sur une scène vue ou une émotion ressentie.
J'aime aussi beaucoup m'arrêter et réfléchir à la pensée humaine, au temps et à tout ce qui m'entoure… même un simple sens a sa propre histoire. J'observe, j'imagine, j'élabore et je crée…
Michele Berlot
Je suis architecte, né en 63. Je me suis passionné pour le dessin technique et de là est né et s'est développé mon parcours "expressif" : d'abord les dessins abstraits réalisés à l'encre, les techniques mixtes du début des années 90, puis la CAO, en infographie.
En parallèle, je me consacre également au dessin « à la main », réalisé avec des techniques traditionnelles.
Puis j'ai découvert le sujet et j'ai commencé à peindre. Ma peinture peut être définie comme informelle, mais elle est définitivement informelle et non gestuelle. Il a besoin d'une préparation de fond sur laquelle travailler ensuite, en étalant la couleur pour que le coup de pinceau ne soit pas perceptible.
J'utilise actuellement du papier et de la colle mélangés à de la couleur : par de nombreuses étapes et superpositions, j'arrive à cet équilibre d'où naissent mes peintures. Et justement en raison de leur matérialité, ils comportent de nombreuses références à des formes « naturelles » et il est très facile de trouver aussi des visages ou des figures qui semblent habiter la toile, un microcosme dans lequel chacun peut imaginer et construire sa propre histoire.
En parallèle, je me consacre également au dessin « à la main », réalisé avec des techniques traditionnelles.
Puis j'ai découvert le sujet et j'ai commencé à peindre. Ma peinture peut être définie comme informelle, mais elle est définitivement informelle et non gestuelle. Il a besoin d'une préparation de fond sur laquelle travailler ensuite, en étalant la couleur pour que le coup de pinceau ne soit pas perceptible.
J'utilise actuellement du papier et de la colle mélangés à de la couleur : par de nombreuses étapes et superpositions, j'arrive à cet équilibre d'où naissent mes peintures. Et justement en raison de leur matérialité, ils comportent de nombreuses références à des formes « naturelles » et il est très facile de trouver aussi des visages ou des figures qui semblent habiter la toile, un microcosme dans lequel chacun peut imaginer et construire sa propre histoire.
Francesco Capello
Francesco Capello è un artista affermato e riconosciuto a livello internazionale dall'Italia. Pittore iperrealista, la lunga carriera di Capello ha attraversato diverse mostre personali e collettive, premi, commissioni pubbliche e, più recentemente, un'installazione di una delle sue opere nella collezione permanente del Museu Europeu d'art Modern (MEAM) di Barcellona , Spagna. I suoi dipinti classici spaziano dai ritratti alle nature morte e si sforzano sempre di rappresentare persone, luoghi e cose, in una luce naturale e sbalorditiva.
Taraski
Créativité napolitaine et équilibre savoyard, bref Taraski, le nom de scène choisi par Giancarlo Taraschi, né en 1962 à Turin où il vit et travaille, mais qui aime souligner qu'il a été conçu sous le Vésuve,... par d'authentiques parents napolitains.
Taraski a découvert sa passion pour la peinture en 1988 ; C'est dans cette période, alternant de longues périodes de méditation et une focalisation obsessionnelle sur l'utilisation des pigments et la recherche de l'expressivité gestuelle - également à travers la pratique du shodō - qu'émerge sa singularité, toujours hors des sentiers battus !
Nous commençons à entrevoir quel sera le noyau thématique caractéristique de son activité à l'avenir : la réflexion sur le rôle de l'image dans la société médiatique, les influences de la culture « pop » américaine, l'utilisation de couleurs vives et le fort expérimental personnage .
Il ne s'est jamais conformé à aucune vision actuelle ou artistique. En fin de compte, le chiffre final lui appartient toujours, même dans l’incertitude, même en cas d’échec.
Sa méthode de travail est étroitement liée aux gestes issus de la pratique de l'Aïkido (qu'il enseigne aux enfants de son académie).
Il a trois enfants, dont deux sont encore jeunes. Son enfant intérieur est vital ; quand il crée, il le fait librement, sans trop se soucier du résultat.
Son amour pour la nature l'a récemment amené, sans esprit critique et intentionnel, à parler d'énergies alternatives dans ses œuvres.
Taraski a découvert sa passion pour la peinture en 1988 ; C'est dans cette période, alternant de longues périodes de méditation et une focalisation obsessionnelle sur l'utilisation des pigments et la recherche de l'expressivité gestuelle - également à travers la pratique du shodō - qu'émerge sa singularité, toujours hors des sentiers battus !
Nous commençons à entrevoir quel sera le noyau thématique caractéristique de son activité à l'avenir : la réflexion sur le rôle de l'image dans la société médiatique, les influences de la culture « pop » américaine, l'utilisation de couleurs vives et le fort expérimental personnage .
Il ne s'est jamais conformé à aucune vision actuelle ou artistique. En fin de compte, le chiffre final lui appartient toujours, même dans l’incertitude, même en cas d’échec.
Sa méthode de travail est étroitement liée aux gestes issus de la pratique de l'Aïkido (qu'il enseigne aux enfants de son académie).
Il a trois enfants, dont deux sont encore jeunes. Son enfant intérieur est vital ; quand il crée, il le fait librement, sans trop se soucier du résultat.
Son amour pour la nature l'a récemment amené, sans esprit critique et intentionnel, à parler d'énergies alternatives dans ses œuvres.
Léo Giampaolo
Léo Giampaolo (Leonardo Mario Gilberto Giampaolo)
est né à Turin en 1937 où il vit et travaille.
Il fait ses débuts artistiques en 1963 à l'Exposition d'Automne de
Piémont artistique. En 1964, il reçoit le Premio Marche.
En 1965, il reçoit un prix à la Promotrice de Turin et est invité au Salon de Mai à Paris.
Il abandonne la peinture en 1973 puis revient à la peinture à la fin des années 90.
Il présente de nombreuses expositions personnelles et collectives en Italie et à l'étranger.
Des critiques renommés ont écrit sur son travail. En 2016, le Musée MILT de Turin lui a consacré une exposition personnelle avec ses œuvres les plus récentes.
est né à Turin en 1937 où il vit et travaille.
Il fait ses débuts artistiques en 1963 à l'Exposition d'Automne de
Piémont artistique. En 1964, il reçoit le Premio Marche.
En 1965, il reçoit un prix à la Promotrice de Turin et est invité au Salon de Mai à Paris.
Il abandonne la peinture en 1973 puis revient à la peinture à la fin des années 90.
Il présente de nombreuses expositions personnelles et collectives en Italie et à l'étranger.
Des critiques renommés ont écrit sur son travail. En 2016, le Musée MILT de Turin lui a consacré une exposition personnelle avec ses œuvres les plus récentes.
Saint Alligo
Santo Alligo est né en 1948 à Roccalumera (ME). À l'âge de 5 ans, sa famille s'installe à Turin. Après avoir obtenu son diplôme de l'École Civique d'Art Céramique, il devient assistant de la céramiste Anna Maria Carusi, où il l'aide à créer de grands bas-reliefs en terre cuite patinée. À seize ans, il travaille comme graphiste/illustrateur au studio de publicité Armando Testa, où en 1967 il crée l'hippopotame Pippo pour les carrousels à couches Lines. Dans son court essai, Manuel Carrera, historien et critique d'art, écrit : « Parmi les protagonistes absolus du Carosello né au sein du Studio Testa, Pippo, l'hippopotame des Lignes, reste encore aujourd'hui l'un des plus mémorables, au point de friser mythe. Il a été créé par un très jeune et talentueux Santo Alligo, alors fraîchement diplômé de la Civica Scuola d'Arte Ceramica et de l'atelier d'Anna Maria Carusi. La création de Pippo s'inscrit pleinement dans son parcours artistique et peut être définie comme sa première expérience importante en tant que sculpteur contemporain [...] Cependant, outre l'image de Pippo, il reste une vivacité sans précédent, une fraîcheur de contenu qui est le fruit heureux et éternel de la créativité de Santo Alligo". Graphiste et illustrateur publicitaire, il travaille pour d'importantes agences et industries italiennes, de Ferrero à Esselunga, de San Pellegrino à Levi's. Il crée des images dans lesquelles il combine idée et expertise technique, comme Facciasciutta et Trisapore, jugées par Federico Zeri comme "des inventions belles, voire parfois splendides", comme dans certaines affiches: Championnats du monde d'escrime de Turin, Association italienne des antiquaires, Calcio de Turin.
À partir de 1966, il commence à modeler des portraits en terre cuite caractérisés par une adhésion introspective au modèle, qui représentent, comme l'écrit Adriano Olivieri, la production la plus intimement liée à la sensibilité d'Alligo. Ce petit corpus d'œuvres créées dans les années 1960 et 1970 - les yeux baignés dans les sources d'Arturo Martini et Gemito, longtemps observées au Museo d'Arte Civica de Turin - a quelque chose de surprenant dans la manière d'intuitionner le pneuma qui fait irruption à la surface de la peau chez des sujets dont on imagine qu'ils n'ont pas eu le temps de se rendre compte qu'ils ont déjà été traduits en argile. En un instant Alligo capture la vie de la personne et la restitue à un matériau brut, modelé de manière rustique et qui atteint une vérité pénétrante proche du langage vériste des Étrusques et des Romains ; non pas à un art né d'un idéal esthétique comme chez les Grecs mais de la réalité comme chez les Latins. Sont exemplaires en ce sens : le portrait de Pietro de 1975, avec le regard qui nous transperce et les paupières alanguies que l'on retrouve sur certains visages de la lignée antonine, celui de Nino, aussi vrai que certains visages d'empereurs qui ressemblent à des paysans de le Latium Maremme sont vrais. , celui de sa mère Paola, une authentique mater materia, ou encore celui de son épouse Mariolina, enfermé dans un sceau de beauté symétrique. Certaines sculptures représentant des objets du quotidien datent de la fin des années 1980 : du Lacoste au pull en laine, que Vittorio Sgarbi considère comme « des sculptures qui parlent... des objets éternels avec une âme ».
Les sculptures d'Alligo (pièces strictement uniques) ont été exposées dans de nombreuses expositions collectives et personnelles : Terrecotte, Turin 2014 ; Anthologique 1960/2014, Rome ; Urgences plastiques, 2014/15, Milan ; Les marges du monde de l'art, 2017, Turin. L'opéra "Domenica". Enfin! Elle a été exposée à l'Expo de Milan en 2015. En 2010, il a reçu le prix "Le rêve de Piero" de l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino pour son activité artistique dans le domaine du graphisme, de la sculpture et pour sa recherche passionnée et sa diffusion sur les maîtres de illustration.
« Santo Alligo, bien que s'appuyant largement sur le langage de la plasticité figurative traditionnelle, est un artiste parfaitement contemporain. Et il est contemporain précisément en tant que « personnalité », en tant que personnage, ou en tant que personne, au sens latin du terme, au sens scénique. Alligo – il faut le souligner – est un personnage naturel, animé d'une naïveté particulière : tantôt enfantine, tantôt sulfureuse. Son talent naturel est aussi naturel, dépourvu de constructions et d'artifices ; dépourvu de sophistication et de sophistication. On ne peut pas comprendre pleinement l'œuvre de Santo si l'on ne connaît pas sa personne, caractérisée par une théâtralité impulsive, franche et frénétique. Même la dimension intellectuelle hétérogène d'Alligo, qui trahit un caractère éclectique irrépressible, est fondamentale pour comprendre les différentes articulations de sa sculpture, dans laquelle les archaïsmes siciliens, l'amour passionné de l'illustration, les suggestions caricaturales et publicitaires coulent avec une candeur facile. , citations cinéphiles et bibliophiles, un goût amusé pour les idées surprenantes ou provocatrices. Sa dernière exposition présente une généreuse anthologie d'œuvres en terre cuite, bronze, aluminium et bois (parfois avec des interventions en résines et plexiglas), créées par l'artiste à partir de la fin des années soixante-dix, avec un accent particulier sur la production inédite de la dernière trois ans. Dans ses dernières œuvres, Alligo a touché toutes les cordes expressives qui ont toujours distingué son univers poétique agité, arrivant à une synthèse idéale de ses codes conceptuels et visuels : de la laconique Mort d'un poussin au portrait numérique surréaliste, de la réflexion aliénante à le dimanche". Enfin !, du diptyque Rester comme un enfant au spectaculaire Homme invisible, du superbe buste en terre cuite bosselée et fils de fer barbelés Frontières (plein d'implications politico-sociales) au plus énigmatique Dialogue, un bronze très complexe, suspendu entre détachement ironique et mystère existentiel... Des mains extraordinairement compétentes de Santo, chaque matériau prend vie, dans une dialectique continue et compulsive qui ne connaît pas de repos. Nous avons déjà observé ailleurs combien est pertinente la tendance multi-matériaux des dernières créations d'Alligo, l'encadrant dans un discours d'imitation de la réalité déjà en cours au début des années 90, sans toutefois négliger la portée projective de ladite tendance, réflexion capricieuse. d'un lointain désir infantile d'émerveillement et de jouissance polymorphe. (Armando Audoli).
Récemment, il a été appelé pour créer une œuvre pour décorer un bâtiment à Turin ; du nom du bâtiment « Link », il crée de grands panneaux d'aluminium découpés au jet d'eau.
À partir de 1966, il commence à modeler des portraits en terre cuite caractérisés par une adhésion introspective au modèle, qui représentent, comme l'écrit Adriano Olivieri, la production la plus intimement liée à la sensibilité d'Alligo. Ce petit corpus d'œuvres créées dans les années 1960 et 1970 - les yeux baignés dans les sources d'Arturo Martini et Gemito, longtemps observées au Museo d'Arte Civica de Turin - a quelque chose de surprenant dans la manière d'intuitionner le pneuma qui fait irruption à la surface de la peau chez des sujets dont on imagine qu'ils n'ont pas eu le temps de se rendre compte qu'ils ont déjà été traduits en argile. En un instant Alligo capture la vie de la personne et la restitue à un matériau brut, modelé de manière rustique et qui atteint une vérité pénétrante proche du langage vériste des Étrusques et des Romains ; non pas à un art né d'un idéal esthétique comme chez les Grecs mais de la réalité comme chez les Latins. Sont exemplaires en ce sens : le portrait de Pietro de 1975, avec le regard qui nous transperce et les paupières alanguies que l'on retrouve sur certains visages de la lignée antonine, celui de Nino, aussi vrai que certains visages d'empereurs qui ressemblent à des paysans de le Latium Maremme sont vrais. , celui de sa mère Paola, une authentique mater materia, ou encore celui de son épouse Mariolina, enfermé dans un sceau de beauté symétrique. Certaines sculptures représentant des objets du quotidien datent de la fin des années 1980 : du Lacoste au pull en laine, que Vittorio Sgarbi considère comme « des sculptures qui parlent... des objets éternels avec une âme ».
Les sculptures d'Alligo (pièces strictement uniques) ont été exposées dans de nombreuses expositions collectives et personnelles : Terrecotte, Turin 2014 ; Anthologique 1960/2014, Rome ; Urgences plastiques, 2014/15, Milan ; Les marges du monde de l'art, 2017, Turin. L'opéra "Domenica". Enfin! Elle a été exposée à l'Expo de Milan en 2015. En 2010, il a reçu le prix "Le rêve de Piero" de l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino pour son activité artistique dans le domaine du graphisme, de la sculpture et pour sa recherche passionnée et sa diffusion sur les maîtres de illustration.
« Santo Alligo, bien que s'appuyant largement sur le langage de la plasticité figurative traditionnelle, est un artiste parfaitement contemporain. Et il est contemporain précisément en tant que « personnalité », en tant que personnage, ou en tant que personne, au sens latin du terme, au sens scénique. Alligo – il faut le souligner – est un personnage naturel, animé d'une naïveté particulière : tantôt enfantine, tantôt sulfureuse. Son talent naturel est aussi naturel, dépourvu de constructions et d'artifices ; dépourvu de sophistication et de sophistication. On ne peut pas comprendre pleinement l'œuvre de Santo si l'on ne connaît pas sa personne, caractérisée par une théâtralité impulsive, franche et frénétique. Même la dimension intellectuelle hétérogène d'Alligo, qui trahit un caractère éclectique irrépressible, est fondamentale pour comprendre les différentes articulations de sa sculpture, dans laquelle les archaïsmes siciliens, l'amour passionné de l'illustration, les suggestions caricaturales et publicitaires coulent avec une candeur facile. , citations cinéphiles et bibliophiles, un goût amusé pour les idées surprenantes ou provocatrices. Sa dernière exposition présente une généreuse anthologie d'œuvres en terre cuite, bronze, aluminium et bois (parfois avec des interventions en résines et plexiglas), créées par l'artiste à partir de la fin des années soixante-dix, avec un accent particulier sur la production inédite de la dernière trois ans. Dans ses dernières œuvres, Alligo a touché toutes les cordes expressives qui ont toujours distingué son univers poétique agité, arrivant à une synthèse idéale de ses codes conceptuels et visuels : de la laconique Mort d'un poussin au portrait numérique surréaliste, de la réflexion aliénante à le dimanche". Enfin !, du diptyque Rester comme un enfant au spectaculaire Homme invisible, du superbe buste en terre cuite bosselée et fils de fer barbelés Frontières (plein d'implications politico-sociales) au plus énigmatique Dialogue, un bronze très complexe, suspendu entre détachement ironique et mystère existentiel... Des mains extraordinairement compétentes de Santo, chaque matériau prend vie, dans une dialectique continue et compulsive qui ne connaît pas de repos. Nous avons déjà observé ailleurs combien est pertinente la tendance multi-matériaux des dernières créations d'Alligo, l'encadrant dans un discours d'imitation de la réalité déjà en cours au début des années 90, sans toutefois négliger la portée projective de ladite tendance, réflexion capricieuse. d'un lointain désir infantile d'émerveillement et de jouissance polymorphe. (Armando Audoli).
Récemment, il a été appelé pour créer une œuvre pour décorer un bâtiment à Turin ; du nom du bâtiment « Link », il crée de grands panneaux d'aluminium découpés au jet d'eau.
Alex Corno
Alex Corno est né à Monza en 1960 et vit à Milan. Il est diplômé du Liceo Artistico Statale I° de Milan en 1978 et en 1982 en Sculpture avec Alik Cavaliere à l'Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan. Après avoir terminé ses études, il enseigne pendant une décennie dans des écoles publiques, avant de se consacrer entièrement à ses propres recherches artistiques.
Dans les années 80, partant d'une sculpture composée d'assemblages d'objets recyclés repeints, il arrive à une œuvre attentive à la structure et à l'espace qu'elle détermine, avec une préférence toujours plus grande pour le fer soudé.
Corno ne vit pas dans la continuité de la tradition sculpturale mais dans la conscience de l'impossibilité d'un passé immobile et dans l'aspiration qui en découle d'adhérer à son propre temps, contre une sculpture-langage morte, pour une sculpture-langage vivante. Avec une recherche de plus en plus essentielle de synthèse et de légèreté dans laquelle s'objective l'expérience interne, vécue également dans une dimension spiritualiste.
Il a exposé dans de nombreuses expositions tant en Italie qu'à l'étranger. Ses œuvres se trouvent dans des collections privées et publiques en Italie, Suisse, France, Angleterre et États-Unis.
Dans les années 80, partant d'une sculpture composée d'assemblages d'objets recyclés repeints, il arrive à une œuvre attentive à la structure et à l'espace qu'elle détermine, avec une préférence toujours plus grande pour le fer soudé.
Corno ne vit pas dans la continuité de la tradition sculpturale mais dans la conscience de l'impossibilité d'un passé immobile et dans l'aspiration qui en découle d'adhérer à son propre temps, contre une sculpture-langage morte, pour une sculpture-langage vivante. Avec une recherche de plus en plus essentielle de synthèse et de légèreté dans laquelle s'objective l'expérience interne, vécue également dans une dimension spiritualiste.
Il a exposé dans de nombreuses expositions tant en Italie qu'à l'étranger. Ses œuvres se trouvent dans des collections privées et publiques en Italie, Suisse, France, Angleterre et États-Unis.
ARTE CONTEMPORANEA
Siamo lieti di offrire uno spazio agli artisti emergenti per poter esporre nella nostra galleria al fianco di artisti già affermati, se cerchi un opportunità e sei interessato a esporre le tue opere contattaci per maggiori informazioni.
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