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NOS ARTISTES
Laura Marello
Le monde culturel contemporain a radicalement changé depuis que, dans les dernières décennies du XXe siècle, il a vu surgir sur la scène artistique internationale la présence de protagonistes courageux, capables de donner forme à de nouveaux langages engageants, forts, puissants et plein de rythme. Des thèmes audacieux ont été proposés, des concepts audacieux avec des contenus originaux qui suggéraient des harmonies jamais perçues auparavant, de nouveaux défis et des tensions provocatrices qui nous ont obligés à de nouvelles idées et de nouvelles visions du monde et à remettre en question nos certitudes liées à la tradition. Tout cela nous a obligé à développer une pensée plus actuelle et plus moderne, à rediscuter, à élargir
et redéfinir, avec courage et détermination, notre conception de l'art. Ce fut le début d’une évolution intellectuelle qui donna lieu à une fervente saison de recherche
qui en France prend le nom de peinture informelle tandis qu'aux États-Unis elle est d'action painting ou d'expressionnisme abstrait, et en Italie elle se caractérise comme peinture matérielle et gestuelle.
C'est dans un panorama artistique de ce genre que se déroulent les recherches de Laura Marello : sur la toile la couleur et le signe enregistrent une pure émotion. La composition est créée sans la médiation de la figure, sans représentation d'objets, sans représentation de panoramas naturalistes, à tel point que l'exercice de la peinture devient une expérience non seulement visuelle mais aussi sensorielle et tactile.
Remarquable est la complexité qu'il parvient à obtenir avec des structures picturales simples, pour la plupart monochromes, élémentaires dans le module constructif dans le seul but de donner « une forme à l'informe ».
La présence dialectique de deux valeurs opposées : lumière et non-lumière que l'artiste gère avec une réduction chromatique et un système de composition géométrique, non dénué de suggestivité, est virée vers des épaississements et des raréfactions qui composent une arabesque aléatoire de lignes, dans un jeu réverbérant. de la figure et du contexte. Peut-être sommes-nous confrontés à une sorte d’écriture autographe qui prend naissance au plus profond de l’inconscient. Avec leur tension dynamique, nous émettons l'hypothèse que ces signes sont l'enregistrement de son geste créateur, le chiffre d'une impulsion vitale qui veut dominer l'émotion, dans le but de transformer la mémoire personnelle indistincte en un instrument d'analyse et de soi.
connaissance. Avec cette exposition, Laura Marello nous fait entrevoir une future saison pleine de méditation et de concentration, d'expressivité existentielle et de vigueur narrative.
force narrative.
et redéfinir, avec courage et détermination, notre conception de l'art. Ce fut le début d’une évolution intellectuelle qui donna lieu à une fervente saison de recherche
qui en France prend le nom de peinture informelle tandis qu'aux États-Unis elle est d'action painting ou d'expressionnisme abstrait, et en Italie elle se caractérise comme peinture matérielle et gestuelle.
C'est dans un panorama artistique de ce genre que se déroulent les recherches de Laura Marello : sur la toile la couleur et le signe enregistrent une pure émotion. La composition est créée sans la médiation de la figure, sans représentation d'objets, sans représentation de panoramas naturalistes, à tel point que l'exercice de la peinture devient une expérience non seulement visuelle mais aussi sensorielle et tactile.
Remarquable est la complexité qu'il parvient à obtenir avec des structures picturales simples, pour la plupart monochromes, élémentaires dans le module constructif dans le seul but de donner « une forme à l'informe ».
La présence dialectique de deux valeurs opposées : lumière et non-lumière que l'artiste gère avec une réduction chromatique et un système de composition géométrique, non dénué de suggestivité, est virée vers des épaississements et des raréfactions qui composent une arabesque aléatoire de lignes, dans un jeu réverbérant. de la figure et du contexte. Peut-être sommes-nous confrontés à une sorte d’écriture autographe qui prend naissance au plus profond de l’inconscient. Avec leur tension dynamique, nous émettons l'hypothèse que ces signes sont l'enregistrement de son geste créateur, le chiffre d'une impulsion vitale qui veut dominer l'émotion, dans le but de transformer la mémoire personnelle indistincte en un instrument d'analyse et de soi.
connaissance. Avec cette exposition, Laura Marello nous fait entrevoir une future saison pleine de méditation et de concentration, d'expressivité existentielle et de vigueur narrative.
force narrative.
Saint Alligo
Santo Alligo est né en 1948 à Roccalumera (ME). À l'âge de 5 ans, sa famille s'installe à Turin. Après avoir obtenu son diplôme de l'École Civique d'Art Céramique, il devient assistant de la céramiste Anna Maria Carusi, où il l'aide à créer de grands bas-reliefs en terre cuite patinée. À seize ans, il travaille comme graphiste/illustrateur au studio de publicité Armando Testa, où en 1967 il crée l'hippopotame Pippo pour les carrousels à couches Lines. Dans son court essai, Manuel Carrera, historien et critique d'art, écrit : « Parmi les protagonistes absolus du Carosello né au sein du Studio Testa, Pippo, l'hippopotame des Lignes, reste encore aujourd'hui l'un des plus mémorables, au point de friser mythe. Il a été créé par un très jeune et talentueux Santo Alligo, alors fraîchement diplômé de la Civica Scuola d'Arte Ceramica et de l'atelier d'Anna Maria Carusi. La création de Pippo s'inscrit pleinement dans son parcours artistique et peut être définie comme sa première expérience importante en tant que sculpteur contemporain [...] Cependant, outre l'image de Pippo, il reste une vivacité sans précédent, une fraîcheur de contenu qui est le fruit heureux et éternel de la créativité de Santo Alligo". Graphiste et illustrateur publicitaire, il travaille pour d'importantes agences et industries italiennes, de Ferrero à Esselunga, de San Pellegrino à Levi's. Il crée des images dans lesquelles il combine idée et expertise technique, comme Facciasciutta et Trisapore, jugées par Federico Zeri comme "des inventions belles, voire parfois splendides", comme dans certaines affiches: Championnats du monde d'escrime de Turin, Association italienne des antiquaires, Calcio de Turin.
À partir de 1966, il commence à modeler des portraits en terre cuite caractérisés par une adhésion introspective au modèle, qui représentent, comme l'écrit Adriano Olivieri, la production la plus intimement liée à la sensibilité d'Alligo. Ce petit corpus d'œuvres créées dans les années 1960 et 1970 - les yeux baignés dans les sources d'Arturo Martini et Gemito, longtemps observées au Museo d'Arte Civica de Turin - a quelque chose de surprenant dans la manière d'intuitionner le pneuma qui fait irruption à la surface de la peau chez des sujets dont on imagine qu'ils n'ont pas eu le temps de se rendre compte qu'ils ont déjà été traduits en argile. En un instant Alligo capture la vie de la personne et la restitue à un matériau brut, modelé de manière rustique et qui atteint une vérité pénétrante proche du langage vériste des Étrusques et des Romains ; non pas à un art né d'un idéal esthétique comme chez les Grecs mais de la réalité comme chez les Latins. Sont exemplaires en ce sens : le portrait de Pietro de 1975, avec le regard qui nous transperce et les paupières alanguies que l'on retrouve sur certains visages de la lignée antonine, celui de Nino, aussi vrai que certains visages d'empereurs qui ressemblent à des paysans de le Latium Maremme sont vrais. , celui de sa mère Paola, une authentique mater materia, ou encore celui de son épouse Mariolina, enfermé dans un sceau de beauté symétrique. Certaines sculptures représentant des objets du quotidien datent de la fin des années 1980 : du Lacoste au pull en laine, que Vittorio Sgarbi considère comme « des sculptures qui parlent... des objets éternels avec une âme ».
Les sculptures d'Alligo (pièces strictement uniques) ont été exposées dans de nombreuses expositions collectives et personnelles : Terrecotte, Turin 2014 ; Anthologique 1960/2014, Rome ; Urgences plastiques, 2014/15, Milan ; Les marges du monde de l'art, 2017, Turin. L'opéra "Domenica". Enfin! Elle a été exposée à l'Expo de Milan en 2015. En 2010, il a reçu le prix "Le rêve de Piero" de l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino pour son activité artistique dans le domaine du graphisme, de la sculpture et pour sa recherche passionnée et sa diffusion sur les maîtres de illustration.
« Santo Alligo, bien que s'appuyant largement sur le langage de la plasticité figurative traditionnelle, est un artiste parfaitement contemporain. Et il est contemporain précisément en tant que « personnalité », en tant que personnage, ou en tant que personne, au sens latin du terme, au sens scénique. Alligo – il faut le souligner – est un personnage naturel, animé d'une naïveté particulière : tantôt enfantine, tantôt sulfureuse. Son talent naturel est aussi naturel, dépourvu de constructions et d'artifices ; dépourvu de sophistication et de sophistication. On ne peut pas comprendre pleinement l'œuvre de Santo si l'on ne connaît pas sa personne, caractérisée par une théâtralité impulsive, franche et frénétique. Même la dimension intellectuelle hétérogène d'Alligo, qui trahit un caractère éclectique irrépressible, est fondamentale pour comprendre les différentes articulations de sa sculpture, dans laquelle les archaïsmes siciliens, l'amour passionné de l'illustration, les suggestions caricaturales et publicitaires coulent avec une candeur facile. , citations cinéphiles et bibliophiles, un goût amusé pour les idées surprenantes ou provocatrices. Sa dernière exposition présente une généreuse anthologie d'œuvres en terre cuite, bronze, aluminium et bois (parfois avec des interventions en résines et plexiglas), créées par l'artiste à partir de la fin des années soixante-dix, avec un accent particulier sur la production inédite de la dernière trois ans. Dans ses dernières œuvres, Alligo a touché toutes les cordes expressives qui ont toujours distingué son univers poétique agité, arrivant à une synthèse idéale de ses codes conceptuels et visuels : de la laconique Mort d'un poussin au portrait numérique surréaliste, de la réflexion aliénante à le dimanche". Enfin !, du diptyque Rester comme un enfant au spectaculaire Homme invisible, du superbe buste en terre cuite bosselée et fils de fer barbelés Frontières (plein d'implications politico-sociales) au plus énigmatique Dialogue, un bronze très complexe, suspendu entre détachement ironique et mystère existentiel... Des mains extraordinairement compétentes de Santo, chaque matériau prend vie, dans une dialectique continue et compulsive qui ne connaît pas de repos. Nous avons déjà observé ailleurs combien est pertinente la tendance multi-matériaux des dernières créations d'Alligo, l'encadrant dans un discours d'imitation de la réalité déjà en cours au début des années 90, sans toutefois négliger la portée projective de ladite tendance, réflexion capricieuse. d'un lointain désir infantile d'émerveillement et de jouissance polymorphe. (Armando Audoli).
Récemment, il a été appelé pour créer une œuvre pour décorer un bâtiment à Turin ; du nom du bâtiment « Link », il crée de grands panneaux d'aluminium découpés au jet d'eau.
À partir de 1966, il commence à modeler des portraits en terre cuite caractérisés par une adhésion introspective au modèle, qui représentent, comme l'écrit Adriano Olivieri, la production la plus intimement liée à la sensibilité d'Alligo. Ce petit corpus d'œuvres créées dans les années 1960 et 1970 - les yeux baignés dans les sources d'Arturo Martini et Gemito, longtemps observées au Museo d'Arte Civica de Turin - a quelque chose de surprenant dans la manière d'intuitionner le pneuma qui fait irruption à la surface de la peau chez des sujets dont on imagine qu'ils n'ont pas eu le temps de se rendre compte qu'ils ont déjà été traduits en argile. En un instant Alligo capture la vie de la personne et la restitue à un matériau brut, modelé de manière rustique et qui atteint une vérité pénétrante proche du langage vériste des Étrusques et des Romains ; non pas à un art né d'un idéal esthétique comme chez les Grecs mais de la réalité comme chez les Latins. Sont exemplaires en ce sens : le portrait de Pietro de 1975, avec le regard qui nous transperce et les paupières alanguies que l'on retrouve sur certains visages de la lignée antonine, celui de Nino, aussi vrai que certains visages d'empereurs qui ressemblent à des paysans de le Latium Maremme sont vrais. , celui de sa mère Paola, une authentique mater materia, ou encore celui de son épouse Mariolina, enfermé dans un sceau de beauté symétrique. Certaines sculptures représentant des objets du quotidien datent de la fin des années 1980 : du Lacoste au pull en laine, que Vittorio Sgarbi considère comme « des sculptures qui parlent... des objets éternels avec une âme ».
Les sculptures d'Alligo (pièces strictement uniques) ont été exposées dans de nombreuses expositions collectives et personnelles : Terrecotte, Turin 2014 ; Anthologique 1960/2014, Rome ; Urgences plastiques, 2014/15, Milan ; Les marges du monde de l'art, 2017, Turin. L'opéra "Domenica". Enfin! Elle a été exposée à l'Expo de Milan en 2015. En 2010, il a reçu le prix "Le rêve de Piero" de l'Académie des Beaux-Arts d'Urbino pour son activité artistique dans le domaine du graphisme, de la sculpture et pour sa recherche passionnée et sa diffusion sur les maîtres de illustration.
« Santo Alligo, bien que s'appuyant largement sur le langage de la plasticité figurative traditionnelle, est un artiste parfaitement contemporain. Et il est contemporain précisément en tant que « personnalité », en tant que personnage, ou en tant que personne, au sens latin du terme, au sens scénique. Alligo – il faut le souligner – est un personnage naturel, animé d'une naïveté particulière : tantôt enfantine, tantôt sulfureuse. Son talent naturel est aussi naturel, dépourvu de constructions et d'artifices ; dépourvu de sophistication et de sophistication. On ne peut pas comprendre pleinement l'œuvre de Santo si l'on ne connaît pas sa personne, caractérisée par une théâtralité impulsive, franche et frénétique. Même la dimension intellectuelle hétérogène d'Alligo, qui trahit un caractère éclectique irrépressible, est fondamentale pour comprendre les différentes articulations de sa sculpture, dans laquelle les archaïsmes siciliens, l'amour passionné de l'illustration, les suggestions caricaturales et publicitaires coulent avec une candeur facile. , citations cinéphiles et bibliophiles, un goût amusé pour les idées surprenantes ou provocatrices. Sa dernière exposition présente une généreuse anthologie d'œuvres en terre cuite, bronze, aluminium et bois (parfois avec des interventions en résines et plexiglas), créées par l'artiste à partir de la fin des années soixante-dix, avec un accent particulier sur la production inédite de la dernière trois ans. Dans ses dernières œuvres, Alligo a touché toutes les cordes expressives qui ont toujours distingué son univers poétique agité, arrivant à une synthèse idéale de ses codes conceptuels et visuels : de la laconique Mort d'un poussin au portrait numérique surréaliste, de la réflexion aliénante à le dimanche". Enfin !, du diptyque Rester comme un enfant au spectaculaire Homme invisible, du superbe buste en terre cuite bosselée et fils de fer barbelés Frontières (plein d'implications politico-sociales) au plus énigmatique Dialogue, un bronze très complexe, suspendu entre détachement ironique et mystère existentiel... Des mains extraordinairement compétentes de Santo, chaque matériau prend vie, dans une dialectique continue et compulsive qui ne connaît pas de repos. Nous avons déjà observé ailleurs combien est pertinente la tendance multi-matériaux des dernières créations d'Alligo, l'encadrant dans un discours d'imitation de la réalité déjà en cours au début des années 90, sans toutefois négliger la portée projective de ladite tendance, réflexion capricieuse. d'un lointain désir infantile d'émerveillement et de jouissance polymorphe. (Armando Audoli).
Récemment, il a été appelé pour créer une œuvre pour décorer un bâtiment à Turin ; du nom du bâtiment « Link », il crée de grands panneaux d'aluminium découpés au jet d'eau.
Taraski
Créativité napolitaine et savoyarde s'équilibrent, en bref, Taraski, le nom de scène choisi par Giancarlo Taraschi, né en 1962 à Turin où il vit et travaille, mais qui aime souligner qu'il a été conçu sous le Vésuve,... par d'authentiques parents napolitains.
Taraski a découvert sa passion pour la peinture en 1988 ; C'est dans cette période, alternant de longues périodes de méditation et une focalisation obsessionnelle sur l'utilisation des pigments et la recherche de l'expressivité gestuelle - également à travers la pratique du shodō - qu'émerge sa singularité, toujours hors des sentiers battus !
Nous commençons à entrevoir quel sera le noyau thématique caractéristique de son activité à l'avenir : la réflexion sur le rôle de l'image dans la société médiatique, les influences de la culture « pop » américaine, l'utilisation de couleurs vives et le fort expérimental personnage .
Il ne s'est jamais conformé à aucune vision actuelle ou artistique. En fin de compte, le chiffre final lui appartient toujours, même dans l’incertitude, même en cas d’échec.
Sa méthode de travail est étroitement liée aux gestes issus de la pratique de l'Aïkido (qu'il enseigne aux enfants de son académie).
Il a trois enfants, dont deux sont encore jeunes. Son enfant intérieur est vital ; quand il crée, il le fait librement, sans trop se soucier du résultat.
Son amour pour la nature l'a récemment amené, sans esprit critique et intentionnel, à parler d'énergies alternatives dans ses œuvres.
Taraski a découvert sa passion pour la peinture en 1988 ; C'est dans cette période, alternant de longues périodes de méditation et une focalisation obsessionnelle sur l'utilisation des pigments et la recherche de l'expressivité gestuelle - également à travers la pratique du shodō - qu'émerge sa singularité, toujours hors des sentiers battus !
Nous commençons à entrevoir quel sera le noyau thématique caractéristique de son activité à l'avenir : la réflexion sur le rôle de l'image dans la société médiatique, les influences de la culture « pop » américaine, l'utilisation de couleurs vives et le fort expérimental personnage .
Il ne s'est jamais conformé à aucune vision actuelle ou artistique. En fin de compte, le chiffre final lui appartient toujours, même dans l’incertitude, même en cas d’échec.
Sa méthode de travail est étroitement liée aux gestes issus de la pratique de l'Aïkido (qu'il enseigne aux enfants de son académie).
Il a trois enfants, dont deux sont encore jeunes. Son enfant intérieur est vital ; quand il crée, il le fait librement, sans trop se soucier du résultat.
Son amour pour la nature l'a récemment amené, sans esprit critique et intentionnel, à parler d'énergies alternatives dans ses œuvres.
Flaviana Chiarotto
L'activité créatrice de Flaviana Chiarotto se caractérise par une opération engageante et cordiale, dans le sens où les connotations mentales s'enrichissent de cette vibration fluide du cœur, à laquelle elle se réfère chaque fois qu'elle met la main sur la palette, sans jamais oublier que " par images" est un processus de communication continu, incessant et exaltant confié à une recherche non seulement stylistiquement technique, suggestivement imprévisible dans ses résultats, mais aussi, sinon surtout, au raffinement et à l'amélioration d'un langage qu'aucun artiste ne devrait jamais envisager. définitivement atteint ou complètement tenu pour acquis. Consciente de tout cela, Flaviana Chiarotto, née le 8 avril 1954 à Loreo, dans la province de Rovigo, et résidant dans le Piémont, insuffle dans ses peintures cet « élan vital » bergsonien qui est à la fois élan, projection et processus cathartique.
En vertu de cette prérogative peu commune, il peut communiquer des moments qui sont parfois des expressions de tendresse, d'affection, de réflexion, d'abandon, d'attente, d'espoir, de nostalgie, de vérité ou de vie quotidienne, tout comme ils sont dispensateurs d'évocations mémorielles, de retraites intérieures dans recherche de souvenirs lointains ou de segments de l'âme sédimentés en elle depuis l'enfance.
L'exubérance joviale qui émane en grande partie de ses toiles, même si parfois tempérée par le masque de sa mélancolie, comme une sorte de miroir autobiographique, et fruit savoureux d'une nature, comme celle du peintre vénitien, ouverte, ensoleillée, transparente dans l'approche avec ses pairs, sans connaître la corrosion épuisante et acrimonieuse de l'envie, sentiment négatif très répandu dans le milieu artistique, qui finit invariablement par consumer ceux qui s'en nourrissent ou en prennent méchamment du plaisir.
La peinture de Chiarotto, gratifiée de reconnaissances qualificatives, est l'émanation lumineuse, avec des clins d'œil intermittents et complémentaires d'ombre bon enfant, d'un tempérament qui se répand avec une aimable immédiateté dans la simplicité du sentiment et dans l'authenticité abondante des œuvres, qui nous racontent sur elle, sur sa vision du monde et nous met en phase avec le parfum d'elle étant poétiquement une femme.
Texte extrait du livre : « La femme dans l'histoire de l'art » de Giuseppe Nasillo, Edizioni Pentarco Turin
En vertu de cette prérogative peu commune, il peut communiquer des moments qui sont parfois des expressions de tendresse, d'affection, de réflexion, d'abandon, d'attente, d'espoir, de nostalgie, de vérité ou de vie quotidienne, tout comme ils sont dispensateurs d'évocations mémorielles, de retraites intérieures dans recherche de souvenirs lointains ou de segments de l'âme sédimentés en elle depuis l'enfance.
L'exubérance joviale qui émane en grande partie de ses toiles, même si parfois tempérée par le masque de sa mélancolie, comme une sorte de miroir autobiographique, et fruit savoureux d'une nature, comme celle du peintre vénitien, ouverte, ensoleillée, transparente dans l'approche avec ses pairs, sans connaître la corrosion épuisante et acrimonieuse de l'envie, sentiment négatif très répandu dans le milieu artistique, qui finit invariablement par consumer ceux qui s'en nourrissent ou en prennent méchamment du plaisir.
La peinture de Chiarotto, gratifiée de reconnaissances qualificatives, est l'émanation lumineuse, avec des clins d'œil intermittents et complémentaires d'ombre bon enfant, d'un tempérament qui se répand avec une aimable immédiateté dans la simplicité du sentiment et dans l'authenticité abondante des œuvres, qui nous racontent sur elle, sur sa vision du monde et nous met en phase avec le parfum d'elle étant poétiquement une femme.
Texte extrait du livre : « La femme dans l'histoire de l'art » de Giuseppe Nasillo, Edizioni Pentarco Turin
Michele Berlot
Je suis architecte, né en 63. Je me suis passionné pour le dessin technique et de là est né et s'est développé mon parcours "expressif" : d'abord les dessins abstraits réalisés à l'encre, les techniques mixtes du début des années 90, puis la CAO, en infographie.
En parallèle, je me consacre également au dessin « à la main », réalisé avec des techniques traditionnelles.
Puis j'ai découvert le sujet et j'ai commencé à peindre. Ma peinture peut être définie comme informelle, mais elle est définitivement informelle et non gestuelle. Il a besoin d'une préparation de fond sur laquelle travailler ensuite, en étalant la couleur pour que le coup de pinceau ne soit pas perceptible.
J'utilise actuellement du papier et de la colle mélangés à de la couleur : par de nombreuses étapes et superpositions, j'arrive à cet équilibre d'où naissent mes peintures. Et justement en raison de leur matérialité, ils comportent de nombreuses références à des formes « naturelles » et il est très facile de trouver aussi des visages ou des figures qui semblent habiter la toile, un microcosme dans lequel chacun peut imaginer et construire sa propre histoire.
En parallèle, je me consacre également au dessin « à la main », réalisé avec des techniques traditionnelles.
Puis j'ai découvert le sujet et j'ai commencé à peindre. Ma peinture peut être définie comme informelle, mais elle est définitivement informelle et non gestuelle. Il a besoin d'une préparation de fond sur laquelle travailler ensuite, en étalant la couleur pour que le coup de pinceau ne soit pas perceptible.
J'utilise actuellement du papier et de la colle mélangés à de la couleur : par de nombreuses étapes et superpositions, j'arrive à cet équilibre d'où naissent mes peintures. Et justement en raison de leur matérialité, ils comportent de nombreuses références à des formes « naturelles » et il est très facile de trouver aussi des visages ou des figures qui semblent habiter la toile, un microcosme dans lequel chacun peut imaginer et construire sa propre histoire.
Rosette Vercellotti
Rosetta Vercellotti, de Turin, a commencé à peindre en 1977. Elle a commencé à utiliser le fusain, puis a continué avec les crayons de cire, l'écoline, les huiles et l'acrylique.
Du figuratif elle passe à l’abstrait, genre qu’elle préfère encore aujourd’hui.
Rosetta a exposé dans diverses expositions personnelles et collectives en Italie et à l'étranger. Entre autres choses, elle a été présente à la Promotrice delle Belle Arti de Turin de 1991 à nos jours et au Club des Officiers de la Garnison de Turin en 1993. Elle a participé à l'Exposition Internationale d'Arts Visuels de la Région du Latium consacrée à "Planète Femme" avec une exposition collective au Centre Culturel Sinesi de Rome en 1996. Il a reçu de nombreux prix. Elle a été classée pour la première fois pour le style au prix international "Trastevere" en 1996 et pour la première fois pour la peinture abstraite au prix "Ripetta" à Rome en 1997.
En 2016 et 2019, il a exposé au Circolo degli Artisti de Turin, en 2016 à la Galerie Gastaldi du Santuario di Graglia, en 2020 au Spazio Mouv de Turin et en 2022 au Centre Culturel Conti Avogadro de Cerrione.
Toujours en 2022, il organise une grande exposition anthologique au prestigieux Palazzo Barolo de Turin intitulée "Sensibile Unknown", organisée par Dino Aloi.
En 2015, Angelo Mistrangelo signe pour elle la monographie « Rosetta Vercellotti le monde de l'inconscient », une monographie présente dans les bibliothèques du Metropolitan Museum of Art et du Guggenheim Museum de New York.
En 2018, Claudia Ghiraldello a publié le livre « Rosetta Vercellotti, la femme et les œuvres », un recueil de la production de l'artiste ces dernières années.
Le volume « Nuovo Respiro » est sorti en 2022.
Les livres sont publiés par la maison d'édition Il Pennino de Turin.
En 2023 commence la collaboration avec Bohmfineart.
Du figuratif elle passe à l’abstrait, genre qu’elle préfère encore aujourd’hui.
Rosetta a exposé dans diverses expositions personnelles et collectives en Italie et à l'étranger. Entre autres choses, elle a été présente à la Promotrice delle Belle Arti de Turin de 1991 à nos jours et au Club des Officiers de la Garnison de Turin en 1993. Elle a participé à l'Exposition Internationale d'Arts Visuels de la Région du Latium consacrée à "Planète Femme" avec une exposition collective au Centre Culturel Sinesi de Rome en 1996. Il a reçu de nombreux prix. Elle a été classée pour la première fois pour le style au prix international "Trastevere" en 1996 et pour la première fois pour la peinture abstraite au prix "Ripetta" à Rome en 1997.
En 2016 et 2019, il a exposé au Circolo degli Artisti de Turin, en 2016 à la Galerie Gastaldi du Santuario di Graglia, en 2020 au Spazio Mouv de Turin et en 2022 au Centre Culturel Conti Avogadro de Cerrione.
Toujours en 2022, il organise une grande exposition anthologique au prestigieux Palazzo Barolo de Turin intitulée "Sensibile Unknown", organisée par Dino Aloi.
En 2015, Angelo Mistrangelo signe pour elle la monographie « Rosetta Vercellotti le monde de l'inconscient », une monographie présente dans les bibliothèques du Metropolitan Museum of Art et du Guggenheim Museum de New York.
En 2018, Claudia Ghiraldello a publié le livre « Rosetta Vercellotti, la femme et les œuvres », un recueil de la production de l'artiste ces dernières années.
Le volume « Nuovo Respiro » est sorti en 2022.
Les livres sont publiés par la maison d'édition Il Pennino de Turin.
En 2023 commence la collaboration avec Bohmfineart.
Carlo Cammarota
Carlo Cammarota est né à Campobasso, Molise, en 1949.
Après la fréquentation rituelle de l'école, il obtient un diplôme de dessinateur mécanique, découvrant ainsi une prédisposition pour le dessin et la peinture qui, après des errances à travers les villes d'Italie, le conduit chez Fiat à Turin.
Mais intolérant à la rigidité du travail en usine, son séjour fut court et tourmenté. Ainsi commence une vie de bohème au milieu de mille difficultés.
Il consulte frénétiquement catalogues et monographies et visite des expositions d'art. Participez à des concours de peinture. Il expose dans diverses expositions collectives et personnelles dans des espaces publics et privés, créant ainsi une clientèle privée qui le suit toujours assidûment.
Sachant pertinemment que l'avenir que l'artiste a derrière lui est une chanson suspendue qui continue d'être valable à travers l'engagement de la peinture, Cammarota n'est pas aveuglé par de faux mythes linguistiques et poursuit donc avec une vocation authentique le témoignage de son parcours artistique.
Après la fréquentation rituelle de l'école, il obtient un diplôme de dessinateur mécanique, découvrant ainsi une prédisposition pour le dessin et la peinture qui, après des errances à travers les villes d'Italie, le conduit chez Fiat à Turin.
Mais intolérant à la rigidité du travail en usine, son séjour fut court et tourmenté. Ainsi commence une vie de bohème au milieu de mille difficultés.
Il consulte frénétiquement catalogues et monographies et visite des expositions d'art. Participez à des concours de peinture. Il expose dans diverses expositions collectives et personnelles dans des espaces publics et privés, créant ainsi une clientèle privée qui le suit toujours assidûment.
Sachant pertinemment que l'avenir que l'artiste a derrière lui est une chanson suspendue qui continue d'être valable à travers l'engagement de la peinture, Cammarota n'est pas aveuglé par de faux mythes linguistiques et poursuit donc avec une vocation authentique le témoignage de son parcours artistique.
Sylvia Rege Cambrin
Silvia Rege Cambrin est née à Coazze (To) le 1er août 1957. Elle vit et travaille à Giaveno (To).
Depuis toute petite, elle avait une grande propension au dessin et une forte attirance pour les couleurs. Bien qu’elle n’ait pas complété d’études artistiques, son amour pour l’art la pousse à expérimenter de nombreuses techniques comme la peinture sur céramique, le fusain et l’aquarelle. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires scientifiques, elle s'inscrit à la faculté des Sciences Naturelles. En raison d'une forme de mécontentement intérieur et d'inquiétude, il interrompt par la suite ses études universitaires, se consacrant ainsi à des disciplines non conventionnelles (astrologie, psychobiologie, techniques de rééquilibrage énergétique, tarologie) visant une compréhension plus subtile du mystère de la Vie. Mais son talent artistique s'est toujours manifesté de manière irrépressible et, en cohérence avec ses engagements professionnels dans l'entreprise familiale et ses devoirs maternels, les périodes de création ont toujours alterné tout au long de sa vie. L'amélioration de la technique de l'huile l'a ensuite incitée à attiser au maximum son feu créatif, se consacrant pleinement et avec un enthousiasme fervent à la création d'une galerie d'œuvres inspirées par son profond désir de pénétrer l'âme des sujets en distillant leur harmonie.
Depuis toute petite, elle avait une grande propension au dessin et une forte attirance pour les couleurs. Bien qu’elle n’ait pas complété d’études artistiques, son amour pour l’art la pousse à expérimenter de nombreuses techniques comme la peinture sur céramique, le fusain et l’aquarelle. Après avoir obtenu son diplôme d'études secondaires scientifiques, elle s'inscrit à la faculté des Sciences Naturelles. En raison d'une forme de mécontentement intérieur et d'inquiétude, il interrompt par la suite ses études universitaires, se consacrant ainsi à des disciplines non conventionnelles (astrologie, psychobiologie, techniques de rééquilibrage énergétique, tarologie) visant une compréhension plus subtile du mystère de la Vie. Mais son talent artistique s'est toujours manifesté de manière irrépressible et, en cohérence avec ses engagements professionnels dans l'entreprise familiale et ses devoirs maternels, les périodes de création ont toujours alterné tout au long de sa vie. L'amélioration de la technique de l'huile l'a ensuite incitée à attiser au maximum son feu créatif, se consacrant pleinement et avec un enthousiasme fervent à la création d'une galerie d'œuvres inspirées par son profond désir de pénétrer l'âme des sujets en distillant leur harmonie.
Walter Parini
Walter Carlo Parini est né à Arluno en 1953, une ville laborieuse de l'arrière-pays milanais.
Depuis son enfance, il a démontré une forte propension pour l'art et la peinture, passions qui l'ont amené
s'inscrire et obtenir son diplôme, avec dévouement et profit, à l'école salésienne des arts graphiques de Milan,
à tel point qu'en 1969, il obtient le premier prix national d'enseignement graphique au GEC. Le mu-
La ville milanaise tiforme, épicentre des nouvelles avant-gardes technico-artistiques, devient partie intégrante
de ses connaissances sur une base stable, donnant forme et énergie à cet humus créatif qui, au fil du temps
il concentre et affine, dans une révision constante et innovante, à l'aide de techniques
un graphisme dont il fait un usage personnel qui l'amène à s'affranchir des canons de l'époque et à se démontrer
innovateur polyvalent, à la fois en tant que graphiste indépendant et en tant qu'artiste volcanique.
Les formes et les couleurs, points clés de la production de Parini, interprétant le matériau de manière
modulaire emblématique, à travers une dialectique de réélaboration continue et de réélaboration de la vie qui
palpite autour de l'homme, le plaçant parmi les protagonistes du renouveau artistique et culturel de
Années 80 et 90 : ses multiples hypermatériaux, ses sculptures visionnaires et ses productions graphiques avant-gardistes
non au concept de normalité anonyme, thème cher à l'artiste, l'éloignant de tout ce qui
s'inscrit dans les canons des circuits commerciaux, pour en faire un chanteur visionnaire capable d'aller du
du trash au sublime.
Toujours actif aujourd'hui dans le domaine de la peinture et de la sculpture, il a récemment exposé certaines de ses œuvres
œuvres les plus représentatives de la galerie Bohm Fine Art de Turin.
Il se vante également de la création de trois livres pour enfants et d'un livre dédié de dessins et de pensées.
à sa mère Eleonora décédée en 1992.
Mais le voyage de Parini continue vers de nouveaux objectifs, propulsé par les ailes de sa propre vision.
introspective de cet enfant curieux et rebelle qui l'habite.
Depuis son enfance, il a démontré une forte propension pour l'art et la peinture, passions qui l'ont amené
s'inscrire et obtenir son diplôme, avec dévouement et profit, à l'école salésienne des arts graphiques de Milan,
à tel point qu'en 1969, il obtient le premier prix national d'enseignement graphique au GEC. Le mu-
La ville milanaise tiforme, épicentre des nouvelles avant-gardes technico-artistiques, devient partie intégrante
de ses connaissances sur une base stable, donnant forme et énergie à cet humus créatif qui, au fil du temps
il concentre et affine, dans une révision constante et innovante, à l'aide de techniques
un graphisme dont il fait un usage personnel qui l'amène à s'affranchir des canons de l'époque et à se démontrer
innovateur polyvalent, à la fois en tant que graphiste indépendant et en tant qu'artiste volcanique.
Les formes et les couleurs, points clés de la production de Parini, interprétant le matériau de manière
modulaire emblématique, à travers une dialectique de réélaboration continue et de réélaboration de la vie qui
palpite autour de l'homme, le plaçant parmi les protagonistes du renouveau artistique et culturel de
Années 80 et 90 : ses multiples hypermatériaux, ses sculptures visionnaires et ses productions graphiques avant-gardistes
non au concept de normalité anonyme, thème cher à l'artiste, l'éloignant de tout ce qui
s'inscrit dans les canons des circuits commerciaux, pour en faire un chanteur visionnaire capable d'aller du
du trash au sublime.
Toujours actif aujourd'hui dans le domaine de la peinture et de la sculpture, il a récemment exposé certaines de ses œuvres
œuvres les plus représentatives de la galerie Bohm Fine Art de Turin.
Il se vante également de la création de trois livres pour enfants et d'un livre dédié de dessins et de pensées.
à sa mère Eleonora décédée en 1992.
Mais le voyage de Parini continue vers de nouveaux objectifs, propulsé par les ailes de sa propre vision.
introspective de cet enfant curieux et rebelle qui l'habite.
Jessica Spagnolo
Jessica est née à Turin, diplômée du Premier Lycée Artistique et diplômée en Architecture. Il peint à la recherche d'un nouveau romantisme. Son inquiétude picturale la pousse à expérimenter en quête de soi, chimère de toute expression artistique d’introspection.
Une grande partie de la formation se déroule grâce à l'artiste néerlandaise Marta Nieuwenhuijs et aux enseignements du maître Daniele Fissore.
Elle a participé à de nombreuses expositions collectives et a été commissaire de l'Exposition Internationale Artes de Turin pendant quatre éditions. Aujourd'hui, elle est juge et mécène d'événements et d'expositions artistiques.
Une grande partie de la formation se déroule grâce à l'artiste néerlandaise Marta Nieuwenhuijs et aux enseignements du maître Daniele Fissore.
Elle a participé à de nombreuses expositions collectives et a été commissaire de l'Exposition Internationale Artes de Turin pendant quatre éditions. Aujourd'hui, elle est juge et mécène d'événements et d'expositions artistiques.
Alex Corno
Alex Corno est né à Monza en 1960 et vit à Milan. Il est diplômé du Liceo Artistico Statale I° de Milan en 1978 et en 1982 en Sculpture avec Alik Cavaliere à l'Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan. Après avoir terminé ses études, il enseigne pendant une décennie dans des écoles publiques, avant de se consacrer entièrement à ses propres recherches artistiques.
Dans les années 80, partant d'une sculpture composée d'assemblages d'objets recyclés repeints, il arrive à une œuvre attentive à la structure et à l'espace qu'elle détermine, avec une préférence toujours plus grande pour le fer soudé.
Corno ne vit pas dans la continuité de la tradition sculpturale mais dans la conscience de l'impossibilité d'un passé immobile et dans l'aspiration qui en découle d'adhérer à son propre temps, contre une sculpture-langage morte, pour une sculpture-langage vivante. Avec une recherche de plus en plus essentielle de synthèse et de légèreté dans laquelle s'objective l'expérience interne, vécue également dans une dimension spiritualiste.
Il a exposé dans de nombreuses expositions tant en Italie qu'à l'étranger. Ses œuvres se trouvent dans des collections privées et publiques en Italie, Suisse, France, Angleterre et États-Unis.
Dans les années 80, partant d'une sculpture composée d'assemblages d'objets recyclés repeints, il arrive à une œuvre attentive à la structure et à l'espace qu'elle détermine, avec une préférence toujours plus grande pour le fer soudé.
Corno ne vit pas dans la continuité de la tradition sculpturale mais dans la conscience de l'impossibilité d'un passé immobile et dans l'aspiration qui en découle d'adhérer à son propre temps, contre une sculpture-langage morte, pour une sculpture-langage vivante. Avec une recherche de plus en plus essentielle de synthèse et de légèreté dans laquelle s'objective l'expérience interne, vécue également dans une dimension spiritualiste.
Il a exposé dans de nombreuses expositions tant en Italie qu'à l'étranger. Ses œuvres se trouvent dans des collections privées et publiques en Italie, Suisse, France, Angleterre et États-Unis.
ART CONTEMPORAIN
Nous sommes heureux d'offrir un espace aux artistes émergents pour exposer dans notre galerie aux côtés d'artistes déjà établis, si vous recherchez une opportunité et êtes intéressé à exposer vos œuvres, contactez-nous pour plus d'informations.
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